Antes de Pascua, durante Semana Santa, tres “peces” de PETA Latino yacían “muertos” en el centro histórico de la Ciudad de México para alentar a la gente a dejar los peces – y todos los demás animales – fuera de su banquete festivo. Cientos de personas pasaron frente a la llamativa exhibición de PETA Latino el 26 de marzo, muchas de ellas recolectaron información, se detuvieron para tomar fotos y entablaron conversaciones. Varios niños mostraron interés en la demostración, incluido un niño que sostuvo un cartel de PETA Latino para tomarse una foto. La demostración fue un gran éxito, ya que varias personas mencionaron que se sintieron inspiradas a tomar decisiones compasivas esta Pascua al dejar a los animales fuera de sus platos. Demuestra misericordia a todos los animales esta Pascua y después Demuestra misericordia a todos los animales esta Pascua y después

El Génesis 1:29 afirma que Dios dio a los humanos alimento en forma de plantas: “He aquí que os he dado toda planta que da semilla que hay sobre la faz de toda la tierra, y todo árbol que da fruto con semilla; esto os servirá de alimento”. Los peces son seres inteligentes y sensibles con sentimientos, pensamientos y ganas de vivir. También sienten dolor y pueden sufrir. Comparten conocimientos, tienen tradiciones culturales y se comunican entre sí mediante sonidos de baja frecuencia que los humanos no pueden oír. Algunos cortejan a sus potenciales parejas cantándoles o creando intrincadas obras de arte. A pesar de todo esto, los humanos matan más peces cada año para comida que todos los demás animales juntos. Los pescadores los empalan, los aplastan, los asfixian o los abren y los destripan, a menudo mientras aún están conscientes. Además, la industria pesquera captura y mata incontables animales “no objetivo”, como delfines, tortugas marinas y tiburones cada año, para satisfacer la demanda humana de “pescados y mariscos”. El especismo NO es un valor cristiano Al igual que los humanos, nuestros compañeros animales son parte de la creación perfecta de Dios: les dio pensamiento, razón, emociones y la capacidad de sentir dolor. Independientemente de la especie, a todos los animales se les debería permitir vivir en paz. Honra tu fe haciéndote vegano Ningún animal quiere ser explotado y asesinado por su carne, sus huevos o su leche. Ser vegano, no solo durante la Cuaresma sino durante todo el año, es la forma más fácil para que los cristianos honren a los seres sintientes de Dios, al mundo que nos confió, a nuestros propios cuerpos y a nuestros hermanos y hermanas que tienen trabajos extremadamente peligrosos en granjas y mataderos. Pide un kit vegano para principiantes gratuito para ayudarte a hacer el cambio compasivo hoy mismo: ¡HAZTE VEGANO!

Estrenos online: crítica de «Zona de interés» («The Zone of Interest»), de Jonathan Glazer (Amazon Prime Video) La película, adaptada de la novela homónima de Martin Amis, se centra en la vida del comandante del campo de concentración de Auschwitz y su familia, que viven al lado de ese infame lugar. Ganadora del Oscar a mejor film internacional. Estreno en Amazon Prime Video: 31 de marzo. Tras un comienzo con varios minutos con pantalla a negro que hacen recordar a la siniestra UNDER THE SKIN , del propio Glazer, LA ZONA DE INTERES presenta una imagen que resume en muchos sentidos todas las ideas de la película. En un plano con varias capas se ve, adelante, a una mujer despidiendo a su marido que está saliendo de su casa para ir al trabajo. Si bien la casa parece casi contemporánea, el hombre viste un uniforme nazi. Al salir por la puerta, en lugar de meterse en un auto, se sube a un caballo. Y pocos metros atrás de la casa está «el trabajo» del protagonista, unas barracas enormes con chimeneas y muros alambrados. Es el campo de concentración de Auschwitz. En la adaptación de la novela homónima de Martin Amis, lo que vemos es una representación bastante fiel de eso que se tiende a llamar «la banalidad del mal». No solo eso, sino algo así como la continuidad de ese mal o su permanencia en el tiempo y el espacio. Glazer se toma el trabajo, desde la dirección de arte, el diseño de producción y, especialmente, desde la puesta en escena digital y modernista de su película (cámaras fijas, operadas a distancia), en dar a entender que eso que estamos viendo pudo haber pasado en la Segunda Guerra pero bien podría suceder ahora o en cualquier momento. Salvo por ciertos detalles, la casona en la que vive el comandante nazi encargado del campo de concentración podría existir en 2023. Y ese «mal» seguiría ahí, tan supuestamente banal pero demoledor como siempre. En un estilo frío, seco y distante, el director británico se dedica a contar, fundamentalmente, el día a día de Rudolf Höss (Christian Friedel), su esposa Hedwig (Sandra Hüller) y sus cinco hijos, que viven en una cómoda casa con enormes jardines que muestran a amigos y familiares como uno mostraría una casa extraordinaria a la que se mudó en «las afueras». Solo que aquí tienen un campo de concentración a un muro de distancia, uno al que por un buen rato casi ni se refieren. La película se ocupa durante una buena parte de su tiempo en ese día a día: Hedwig cuida las plantas, a sus hijos, charla con amigas y da órdenes a sus empleados (gente de ese pueblo polaco) mientras se prueba ropa que, nos damos cuenta, le fue robada a los que están encerrados a unos metros de ella. El, por su parte, va y viene del campo y les lee libros de cuentos infantiles a sus niños o va al río cercano a nadar con ellos. Recibe la visita de arquitectos que le traen planos de cosas siniestras para construir en el campo. La madre de Hedwig viene a conocer el lugar y se fascina, al principio, con lo bien que le ha ido a su hija con esto de trabajar con alguien que encierra «judíos y bolcheviques». Hay un festejo de cumpleaños. De fondo se escuchan algunos disparos y gritos pero nadie habla del asunto. El cuento infantil que Rudolf narra parece visualizarse en inquietantes y perturbadoras imágenes en negativo. La pareja comenta las noticias del día. Nada demasiado importante. El sacudón, o lo que parece serlo en este contexto, viene cuando parece que a Rudolf lo quieren enviar de vuelta a Berlín. Hedwig no quiere saber nada con la idea: encontró su lugar en el mundo ahí, al lado de otro lugar muy distinto, uno en el que en muy poco tiempo se producirá uno de los horrores más incomprensibles y terribles de la humanidad. Allí se empezarán a generar algunas fricciones entre ambos, los veremos funcionar por separado y seremos testigos de cómo se resquebraja ese extraño paraíso que creen haber encontrado al lado del infierno. ZONA DE INTERES es una película de tesis –la manera en la que fue filmada, con cámaras manejadas a control remoto, refleja en buena medida ese concepto– y funciona como tal, por más que por momentos se la sienta repetitiva o un tanto machacosa. La pareja no es, exactamente, la representación de la negación de la masacre (tienen claro qué es lo que se está haciendo y lo que se hará al lado de su casa), pero sí son personas que han compartimentalizado sus vidas como para poder seguir funcionando. Hedwig cada tanto será agresiva con sus empleadas o hará un comentario antisemita. Lo mismo pasará con él. En sus reuniones con jefes de otros campos compararán notas y se felicitarán por lo bien que están haciendo su tarea criminal. Y luego arroparán a sus hijos, los meterán en la cama y la vida seguirá como si nada pasara.

Alaska habla de su divorcio de Mario Vaquerizo La cantante explica cuál es la situación Alaska desvela qué le parece Mario Vaquerizo como actor I. R. Alaska y Mario Vaquerizo  son, probablemente, una de las parejas más conocidas y queridas del mundo del espectáculo en España. Aunque al principio de su relación eran muy pocos los que pensaban que aquello iba en serio, lo cierto es que la pareja ya lleva 25 de matrimonio a sus espaldas. Sin embargo, en los últimos meses los rumores de divorcio no han hecho más que sobrevolar la relación. Alaska  y  Mario Vaquerizo , que era su representante en esos momentos,  se casaron en 1999 en Las Vegas , cuando ambos llevaban sólo seis meses de relación. Ella iba vestida de Dolly Parton y él, de Elvis Presley. El matrimonio no era válido en España y, doce años después, durante la grabación del  exitoso reality  , la pareja decidió oficializar su enlace en suelo español. Alaska y Mario Alaska y Mario Vaquerizo, una pareja icónica El nombre real de Alaska es Olvido Gara. Ha sido una de las representantes de la cultura pop en España, donde siempre ha sido conocida por su imagen extravagante. Ha formado parte de grupos como Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama, así como Fangoria, con los que ha conseguido éxitos que han logrado pervivir en el tiempo. Por su parte, Mario Vaquerizo es el vocalista del grupo Nancys Rubias y famoso por su peculiar estilo y personalidad. Tras su participación en el  reality Alaska y Mario , la popularidad de ambos se disparó y se consolidó su estatus como una de las parejas más icónicas y queridas dentro del mundo del entretenimiento en España. Una de las claves del éxito de su relación  es su autenticidad y su capacidad para ser ellos mismos sin complejos. Su amor y pasión por la música, el arte y la cultura pop es también muy evidente y, de hecho, forma parte de su vida cotidiana y de su trabajo diario. Sin embargo, en los últimos meses los  rumores de divorcio se han disparado  hasta el punto de que Alaska incluso habló de ello de manera pública. Fue en  El Hormiguero , el programa que dirige y presenta Pablo Motos y al que la cantante ha acudido en numerosas ocasiones. Divorcio El valenciano le preguntó en un momento dado por estos comentarios sobre su posible separación de Alaska y Mario Vaquerizo le explicó cuál era la situación. Lo primero de todo fue desmentir tajantemente que la pareja estuviese pensando, o incluso barajando el divorcio. Después, contó cómo esos rumores les afectan en su día a día. ” La primera vez que me preguntaron  sobre los comentarios de divorcio, ni siquiera los había oído y los desmentimos”, aseguró Alaska a Pablo Motos. “El problema -añadió- es cuando al mes siguiente te preguntan todos los días”. En principio, continuó, esos rumores no tienen graves consecuencias para el matrimonio: salen de la nada y al cabo de algún tiempo vuelven a disiparse. Sin embargo, Alaska reflexionó sobre lo que puede suceder en otros momentos.  “Cuando no hay nada, no pasa nada” , dijo a Pablo Motos en  El Hormiguero . “Pero -apostilló-, imagínate que Mario y yo estamos enfadados. Eso hace que crezca el malestar”. En cualquier caso, Alaska volvió a desmentir que su relación con Mario Vaquerizo sigue siendo buena y que  ninguno de los dos  está pensando o ha pensado ni en el divorcio ni en la separación, sino que ambos tienen la firme intención de seguir adelante con su matrimonio, que este año festejará una fecha muy señalada: las bodas de plata. ConsumoEl outlet de Pontevedra que está triunfando entre las influencers: “Es enorme GenteMarta Riesco destapa la relación de Christian Gálvez y Patricia Pardo: “Nadie se merece eso GenteIsabel Preysler habla del embarazo de Tamara Falcó y de su nuevo amor GentePillan a la princesa Leonor fumando y bailando reguetón en una discoteca de Zaragoza GenteAitana intervenida de urgencia antes de arrancar su gira en Latinoamerica GenteLa batalla entre Pepe Navarro e Ivonne Reyes llegó a su fin: la decisión judicial que lo cambia todo ModaBalenciaga revoluciona las redes con su nueva pulsera de cinta adhesiva a la venta por 3.000 euros DecoraciónOlvídate de las salpicaduras al cocinar: el invento de Ikea por 4, 99 euros con el que no volverás a manchar

Quien no haya leído la Odisea y la Ilíada , las dos grandes epopeyas griegas atribuidas a Homero que son la base de la literatura occidental, no sabe lo que se pierde. Y a quien sí lo haya hecho se le habrá escapado, a buen seguro, un curioso detalle: pese a la continua intromisión de los dioses en la vida de los personajes, bien para ayudarles, bien para perjudicarles, éstos no parecen ser conscientes de cuáles son exactamente los que intervienen en cada situación y atribuyen esas actuaciones de forma general, siendo el narrador o las propias divinidades quienes se lo aclaran al lector. Es lo que se conoce como Ley de Jørgensen . Evidentemente, el nombre se debe al erudito que lo descubrió. Se llamaba Ove Jørgensen (al que no hay que confundir con el filósofo Jørgen Jørgensen, creador del Dilema homónimo) y era danés, natural de Copenhague, donde nació en 1877. Hijo de un ilustre profesor de química, realizó estudios universitarios de Arte, mostrando especial predilección por la literatura clásica y graduándose en 1902 con una tesis sobre la llamada cuestión homérica, es decir, el debate sobre la identidad y existencia real de Homero -que se daba ya desde la Antigüedad- y su repercusión en la autoría de los poemas que se le atribuyen. Jørgensen continuó estudiando al poeta griego, para lo cual viajó a Berlín, Atenas, Constantinopla y Roma, entablando relación con prestigiosos especialistas en el tema y el contexto histórico. Como resultado de esa experiencia, en 1904 publicó un artículo en el que planteaba una teoría basada -como él mismo admitió- en un descubrimiento hecho por el investigador germano en 1835: cuando Odiseo (Ulises), el protagonista de la Odisea , cuenta sus aventuras a los feacios, no menciona en ningún momento las continuas ayudas recibidas de la diosa Atenea. A lo largo del siglo XIX, otros eruditos teutones como Gregor Wilhelm Nitzsch, Heinrich Düntzer, Wilhelm Hartel y Carl Rothe, encontraron más ejemplos de esa ignorancia por parte del personaje en diversos pasajes de la obra. Al poco de entrar en el XX fue Jørgensen quien sistematizó todo eso proponiendo una explicación en el reseñado artículo para Hermes (una revista alemana dedicada a estudios clásicos); su título era Das Auftreten der Goetter in den Buechern ι–μ der Odyssee («Las apariciones de los dioses en los libros 9-12 de la Odisea «). ¿Era Odiseo un desagradecido? No, evidentemente. Según Kayser, esa omisión se debe a que el rey de Ítaca no sabe quién intervino en su favor para sacarle de las apuradas situaciones vividas, más allá de que era ultraterrenal. ¿Se trataría entonces de un error de Homero? La repetición hace deducir que tampoco, puesto que, de hecho, el personaje admite que ha recibido asistencia desde el Olimpo; simplemente no dice de quién con exactitud o la atribución resulta equivocada, como hace con Zeus y una tormenta que la narración explica previamente que fue causada por Poseidón. J. Marks, profesor de la Universidad de Florida y autor de un libro titulado Zeus in the Odissey (que considera la trama de la Odisea como resultante de un plan del padre de los dioses), lo sintetiza de forma sencilla y comprensible: «E l narrador homérico y los personajes divinos son, por regla general, conscientes del agente divino responsable de cualquier acto o circunstancia determinada en la narración. Los personajes humanos, por el contrario, permanecen ignorantes de las acciones de los dioses específicos a menos que estén informados por un personaje divino o, en el caso de los videntes y cantantes, posean poderes especiales «. En realidad, esa indefinición causística de la Odisea y la Ilíada no es absoluta, pues excluye a los dioses menores (Circe, Calipso, Proteo, Eidotea, Eolo…), los mayores cuando tienen características propias muy acusadas (las muertes súbitas que se atribuían a Apolo y Artemisa) y las narraciones de segunda mano incluidas en la obra (como las historias legendarias que cuentan algunos personajes; por ejemplo, cuando Helena explica el juicio de Paris). Ello se suma al otro gran motor individual de los personajes homéricos, el thumos (impulso interno, deseo, energía), del que un buen ejemplo es Aquiles y su sentido del honor. Basándose en un análisis de los libros 9, 10, 11 y 12 de la Odisea (los capítulos que tratan el encuentro con Polifemo, la estancia con Circe, la visita al inframundo, el incidente de las ovejas de Helios y los años con Calipso), Jørgensen destaca que es a la acción de las divinidades mayores a la que hay que aplicar la mencionada indefinición, si bien se pueden encontrar ejemplos en otros. Es el caso del 24, en el que uno de los pretendientes de Penélope, Anfimedonte, atribuye a un κακός δαίμων («un daimon malvado») el regreso de Odiseo a Ítaca; o del 14, donde se pueden contar hasta nueve veces la ley de Jørgensen durante la conversación entre Odiseo y el porquerizo Eumeo, adjudicando la intervención divina unas veces a Zeus y otras a un dios o a los dioses sin concretar. Ése es el quid de la cuestión. Según la citada ley, los personajes homéricos utilizan una serie de términos genéricos e intercambiables, de los que predominan sobre todo estos cuatro: θεός («theos», que se traduce como dios o deidad), δαίμων («daimón», el destino o la fatalidad determinados por los dioses) y Ζεύς ( «Zeus», el padre de los dioses y señor del Olimpo). Explica Jørgensen que «en el lenguaje convencional del poeta éstos son cuatro nombres para la misma cosa. Cuando, por ejemplo, a Teucro se le rompe la cuerda del arco, para él fue un daimón quien lo hizo, pero para Áyax fue un dios y para Héctor fue Zeus» . Ahora bien, no todos los estudiosos están de acuerdo en considerar ese canon en términos absolutos y existen críticas o matizaciones respecto a determinados términos de esa tetrarquía conceptual. Así, el profesor estadounidense Erwin F. Cook opina que Zeus aparece sólo vinculado a eventos relacionados con el destino y el clima, algo que remite a deidades prehelénicas del culto a las fuerzas de la naturaleza. También el concepto daimón ha sido discutido; Irene de Jon, catedrática holandesa de griego antiguo, cree que se refiere básicamente -y salvo tres excepciones de la Ilíada – a aspectos negativos. En cualquier caso, unos y otros se emplean indistintamente, en ocasiones mezclados de forma deliberada, como cuando el bardo Demódoco culpa a Atenea del sufrimiento de los griegos en Troya, pero poco después Telémaco le dice a su madre que hay que responsabilizar a Zeus. Sin embargo, la ley de Jørgensen es algo que Homero aplica únicamente cuando hablan los personajes mortales, los humanos, pues cuando se trata de dioses queda claro quién actúa, al igual que el narrador también distingue a cada uno. ¿Cuál es el porqué de esta peculiaridad? Se trataría de un recurso literario empleado por el poeta para distinguir con especial énfasis entre la voz del narrador, que estaría inspirado por las musas, y la de los personajes, tal como lo ve Jenny Strauss Arcilla, profesora estadounidense de Estudios Clásicos especialista en las obras de Homero. La primera siempre explicita a la divinidad que interviene, informando por tanto al lector, mientras que los otros usan los términos genéricos mencionados. Se da la irónica circunstancia de que la mayor parte de la Odisea está contada por su protagonista, no por una voz en off. Fuentes Homero, La Odisea | Homero , La Ilíada | Ove Jørgensen , Das Auftreten der Goetter in den Buechern ι–μ der Odyssee | J. Marks , Zeus in the Odissey | Jenny Strauss Clay, The wrath of Athena: Gods and men in the Odyssey | Irene J. F. de Jong, A narratological commentary on the Odyssey | Erwin F. Cook, The Odyssey in Athens: Myths of Cultural Origins | Wikipedia Aqua Augusta, la gran obra de ingeniería hidráulica romana que abastecía a más de 10 ciudades incluidas Pompeya y Herculano Entre los años 33 y 12 a.C. se construyó uno de los acueductos romanos más… Tarenorerer, la mujer que lideró la resistencia de los aborígenes tasmanos a la colonización Para la mayoría de la gente, Tasmania sólo es el complemento del nombre de un… La desaparecida ciudad de Náucratis, el primer asentamiento griego permanente en Egipto En el delta occidental del Nilo, a unos 72 kilómetros al sureste de Alejandría, se… Los viajes de Zhang Qian, el embajador chino que abrió la Ruta de la Seda cuando buscaba una alianza militar Hace más de dos milenios que nació la Ruta de la Seda, una red de… Cuando el emperador romano Tiberio investigó y resolvió un caso de asesinato Auguste Dupin, Sherlock Holmes, Hércules Poirot, Sam Spade, Philip Marlowe, Nero Wolfe… Todos estos nombres… La desastrosa derrota que llevó a los romanos a no combatir nunca más ese día y a cambiar la fecha de inicio del curso político En el año 181 a.C. Roma acometió la conquista de Celtiberia, en una serie de…

ANÁLISIS | ¿Por qué el debate sobre el color de la piel de Jesús importa hoy más que nunca? (CNN) — Christena Cleveland pasó gran parte de su infancia en una iglesia evangélica rodeada de imágenes tradicionales de un Jesús de piel de porcelana y de pelo rubio. Pero un día se topó con una representación de Cristo tan sorprendente que se quedó boquiabierta. Era un cuadro de un Jesús resucitado rodeado de sus discípulos asombrados, entre ellos “Tomás, el Dudoso” quien tocaba la herida del torso de Cristo. El cuadro parecía una antigua reliquia descubierta en algún monasterio del desierto de Tierra Santa, un fresco de estilo bizantino lleno de figuras de contornos nítidos, rebosante de colores azul oscuro y naranja sangre. Pero fue otro color el que llamó su atención. Jesús era representado como un hombre de color, entre moreno y negro, al igual que sus discípulos. Cleveland, quien más tarde se convertiría en teóloga y psicóloga social, se dio cuenta de que siempre había imaginado a un Jesús de aspecto nórdico, parecido a Thor. Ahora se daba cuenta de que se parecía más a ella, una mujer negra. Para Cleveland, cambiar el color de Jesús transformó su manera de ver el significado de la Pascua. “Cuando veo la historia de la Pascua, veo a Jesús siendo víctima de la violencia administrada por el Estado. Veo a Jesús rodeado de personas negras y morenas que desearían poder hacer algo, pero no tenían poder en ese momento”, dice Cleveland, autora de “God Is a Black Woman”. “Y veo a personas que son víctimas de un sistema que no puede ver toda su humanidad y asume lo peor de ellas. Y, sin embargo, al final hay esperanza”, afirma. “El universo sí se inclina hacia la justicia, aunque el arco sea largo”. Mientras los cristianos de todo el mundo celebran hoy la resurrección de Jesús, la historia de Cleveland apunta a una verdad incómoda: el verdadero rostro del Jesús histórico no se parece en nada al que muchos siguen viendo en las vidrieras de sus iglesias, en las películas de Hollywood o en la imagen que muchos llevan en su mente. Muchos eruditos y arqueólogos coinciden ahora en que lo más probable es que Jesús fuera un hombre de piel morena y ojos marrones, más parecido a un “judío de Medio Oriente” o a un árabe. Un comentarista dijo una vez que si Jesús tomara un vuelo hoy en día “podría ser sometido a un control de seguridad adicional” por parte de la Administración de Seguridad en el Transporte (TSA por sus siglas en inglés). Algunos pueden replicar con un gran: ¿Y qué? El debate sobre el color de Jesús es uno de los más antiguos de la religión. Como hombre que creció en una iglesia negra con un retrato gigante de un Jesús blanco colgado detrás del púlpito, recuerdo muchas discusiones acaloradas en barberías y comidas al aire libre en las que teólogos de sillón insistían en que Jesús era negro citando escrituras como Apocalipsis 1:14-14 (“La Biblia dice que tenía el pelo ‘blanco como la lana’ y los pies como ‘bronce bruñido’, así que no me digan que Jesús no tenía un afro”). Quién puede olvidar cuando la expresentadora de Fox News, Megyn Kelly, declaró en 2013 que Jesús, al igual que Santa Claus, “también era un hombre blanco” y que eso era “un hecho verificable”, un comentario que, según dijo más tarde, pretendía hacer en broma. Pero la cuestión sobre el color de la piel de Jesús es seria en esta Pascua por dos razones. En primer lugar, aunque el Jesús nórdico clásico sigue siendo una imagen popular hoy en día en algunas iglesias, hace tiempo que en Estados Unidos se ha arraigado un movimiento para sustituir al Jesús blanco. En muchos círculos cristianos -principalmente iglesias progresistas, iglesias de color conformadas por la “teología de la liberación”, y entre los eruditos bíblicos-, las llamativas muestras del Jesús blanco se consideran anticuadas y, para algunos, ofensivas. En unos Estados Unidos multiculturales en rápida diversificación, cada vez más cristianos quieren ver a un Jesús que se parezca a ellos. Pero en algunas partes del país, el Jesús blanco nunca se ha ido. La propagación del nacionalismo cristiano blanco ha inundado las redes sociales con imágenes del tradicional Jesús blanco, a veces adornado con un sombrero rojo de MAGA. El expresidente Trump vende una “Biblia Dios bendiga a EE.UU.” con pasajes de la Constitución y la carta de derechos, una vinculación del patriotismo con el cristianismo que refuerza una imagen blanca de Jesús que es fundamental para el nacionalismo cristiano. En segundo lugar, hay un nuevo debate sobre la identidad del Jesús histórico. Algunos críticos de la guerra entre Israel y Hamas están declarando que Jesús era un “judío palestino”, una afirmación que al menos un erudito bíblico dice que es falsa y retoma un feo patrón histórico de “usar a Jesús contra los judíos una vez más”. No todo el mundo quiere participar en este debate. Algunos cristianos ponen los ojos en blanco cada vez que se les pregunta por la apariencia de Jesús. Dicen que la historia de la Pascua no tiene nada que ver con el color y el mensaje de Jesús. Citan escrituras como Gálatas 3: 28, 29: (“Ya no hay judío ni gentil, ni esclavo ni libre, ni hombre ni mujer, porque todos ustedes son uno en Cristo Jesús”). También hay quienes son religiosamente neutrales y se preguntan por qué la gente tiene que meter la raza en todo . Como dijo un comentarista exasperado: “Estoy harto de que la gente convierta en un problema de qué color era Jesús o de qué color eran las doce tribus de Israel o si Dios es blanco o negro. A mí, personalmente, NO ME IMPORTA de qué color era o es ninguno de ellos. No hay versículos en la Biblia que yo conozca que hagan un ‘problema’ del color de piel de las personas en la biblia”. Lo que falta en muchos de estos debates sobre el color de la piel de Jesús es una perspectiva más matizada de personas reflexivas de ambos lados. Esto es lo que dicen. ¿Por qué algunos dicen que el color de Jesús no importa? Puede que Warner Sallman sea lo que el New York Times llamó “el artista más conocido del siglo XX”, pero no se le considera uno de los maestros de su oficio. Su estatus se basa en un cuadro extraordinario, la “Cabeza de Cristo”. Se calcula que se ha reproducido 500 millones de veces en retratos que han adornado salones, escuelas dominicales, sellos y estampas. Sallman dice que el cuadro tuvo una inspiración divina. Era un ilustrador comercial que se esforzaba por esbozar un retrato de Jesús para una revista evangélica una noche de invierno de 1924. Abatido, se fue a la cama sin esbozar nada, pero se despertó a las 2 de la madrugada. “De repente apareció en mi mente una imagen de Cristo como si estuviera en mi mesa de dibujo”, dijo. El boceto a carboncillo de Sallman, que más tarde adaptó a una pintura al óleo de un Jesús de pelo claro y ojos azules con rasgos nórdicos (Sallman era hijo de inmigrantes escandinavos) es un excelente ejemplo de lo que los críticos llaman el Jesús Blanco. Se publicó en Estados Unidos de mediados del siglo XX, en una época de ferviente patriotismo, récord de asistencia a las iglesias e histeria por la amenaza que suponía el Partido Comunista. Durante la Segunda Guerra Mundial se distribuyeron miles de ejemplares a los soldados estadounidenses. “Era tan emblemático que, para combatir a los ‘miembros con carné del Partido Comunista’, un ministro estadounidense quería que todos los cristianos llevaran una pequeña copia del Cristo de Sallman en la cartera”, escribió Edward J. Blum, coautor de “The Color of Christ”. Esa versión de Estados Unidos ha cambiado desde entonces. Pero hay quien dice que el color de Jesús debería seguir siendo el mismo, o que no importa en absoluto. Christina L. Barr es una pastora y escritora que ha trabajado en la política del Partido Republicano. Dice que el mensaje de Pascua es más grande que cualquier color individual. Explica que todas las personas son pecadoras y que Jesús murió por todas ellas, independientemente de su color de piel. “El cielo no es exclusivo para los ricos o los de piel clara”, dice Barr a CNN. “Los brazos de Dios están extendidos para todos”. Barr afirma que algunas personas que dicen querer un Jesús negro o moreno pueden querer su melanina, pero en realidad no quieren su mensaje. Las personas solteras deben ser “valoradas” pues Jesús fue una de ellas, dice la Iglesia de Inglaterra En una columna para Black Tea News, el sitio en línea del que es CEO, se imaginaba que Jesús regresaría al Estados Unidos contemporáneo como un hombre negro. Habría un entusiasmo inicial entre algunas personas hasta que Jesús empezara a predicar sobre abandonar la inmoralidad sexual y la avaricia, dijo. “Cuando ofendiera a los proveedores de abortos diciendo que Dios odia las manos que derraman sangre inocente y reprendiera a los estadounidenses por nuestra codicia, le llamarían mapache intolerante y le cancelarían por completo”, escribió. Otros adoptan un enfoque más filosófico sobre el color de Jesús. “Si Jesús es representado en obras de arte e íconos contemporáneos como blanco, negro, moreno, hispano o de Medio Oriente, no debería importar, porque el físico de Jesús fue meramente un recipiente que se usó para llevar algo mucho más importante: el espíritu de su padre; Dios”, escribió Antony Pinol en una columna titulada “Por qué el color de piel de Jesús no importa”. Contactado por CNN, Pinol dice entender a quienes afirman que un Jesús más moreno es más cercano. Admite que hay barreras para adorar a un Jesús blanco que él, un hombre blanco, puede no entender. Sin embargo, cuando la gente se centra demasiado en las características físicas de Jesús, hace más difícil desarrollar una relación más profunda con Dios, dice. Para él, el color de Jesús no supone ninguna diferencia. “No cambia fundamentalmente lo que él representa y el tipo de mensaje que es central para el cristianismo y lo que Jesús representó en su vida y acciones”, dice Pinol. “Podría ser de cualquier color y eso no cambiaría su mensaje”. ¿Por qué otros dicen que sí importa? Algunos, sin embargo, sostienen que el color de Jesús sí importa, por diversas razones. Los miembros de diversos grupos étnicos cristianos hace tiempo que dejaron de adorar a un Jesús blanco. A Jesús se le ha representado como coreano, como un hombre negro con rastas, como un indígena maorí con la cara llena de tatuajes e incluso como una mujer negra. Ya no es raro encontrar a un Jesús negro o moreno en las vidrieras de las iglesias. Algunos activistas negros han liderado un movimiento para descartar al Jesús blanco. Teólogos negros como el reverendo Albert Cleage han descrito a Jesús como un hombre de color y un revolucionario. Y durante el proceso de reconocimiento racial de George Floyd en 2020, algunos activistas pidieron que se derribaran las estatuas que representaban a un Jesús Blanco junto con los monumentos confederados. Algunos teólogos negros, que dicen que Jesús era negro no están siendo literales, están haciendo una declaración más amplia en contra de cómo Jesús ha sido tradicionalmente retratado: como un hombre blanco en la parte superior de la jerarquía social. El reverendo Dante Stewart reflejó este pensamiento en un ensayo titulado “Cómo aprendí que Jesús es negro”. “Vi por qué insistían en decir que Jesús es negro”, dijo Stewart, autor de “Shoutin’ in the Fire: An American Epistle”, refiriéndose a teólogos negros como James Cone y la escritora Toni Morrison. “No hablaban del color de su piel durante su ministerio terrenal, aunque definitivamente no era blanco”, dice Stewart. “Hablaban de su experiencia, de cómo Jesús sabe lo que significa vivir en un territorio ocupado, sabe lo que significa ser de un pueblo oprimido”. El papa Francisco preside la misa de Pascua en el Vaticano, en medio de las preocupaciones por su salud Algunos dicen también que el color de Jesús importa por la historia. Blum afirma que la imagen de un Jesús blanco se ha utilizado para justificar la esclavitud, los linchamientos, las leyes contra el matrimonio interracial y la hostilidad hacia los inmigrantes considerados no suficientemente blancos. Cuando el Congreso aprobó una ley a principios del siglo XX para restringir la inmigración procedente de Asia, el sur y el este de Europa, los políticos blancos evocaron al Jesús Blanco, afirma. “Uno de los argumentos era: ‘Bueno, Jesús era blanco'”, dice Blum. “Así que el tema era: ‘Queremos que Estados Unidos sea profundamente cristiano o al menos basado en Jesús, así que solo deberíamos permitir a los blancos en este país'”. El movimiento MAGA utiliza la imagen de un Jesús blanco para armar batallas políticas, dice, y señala los carteles en la insurrección del 6 de enero que muestran a un Jesús Blanco, a veces con una gorra roja de MAGA. Para Blum, algunos conservadores cristianos ven a un Jesús blanco MAGA como “un símbolo antidespertar”. Otra razón por la que el color de la piel de Jesús importa es porque una persona no puede realmente entenderlo a él o a su mensaje sin tener en cuenta su color de piel y su estatus socioeconómico, dice Cleveland, la autora y académica. Cleveland coincide con algunos estudiosos que afirman que Jesús era un hombre pobre, perteneciente a una minoría oprimida, a quien un teólogo negro describió como un “líder no blanco de un pueblo no blanco que luchaba por la liberación nacional” de Roma. En una columna para Christianity Today, Cleveland escribió: “Como minoría étnica, Jesús no se preocupó simplemente por las personas que eran víctimas de la violencia sancionada por Roma, él fue una víctima de la violencia sancionada por Roma. Jesús no se preocupó simplemente por los refugiados, Jesús fue un refugiado. Jesús no se preocupaba simplemente por los pobres, él era pobre”. Cleveland dice a CNN que la gente que considera que el color de Jesús no fue importante ignora la historia. “Limita nuestra capacidad de entender al Jesús histórico, que no era un hombre blanco y no caminaba por el mundo como tal. Estaba bajo la ocupación romana, no muy diferente de alguien que vive en Gaza ahora mismo. Nos perdemos mucho de la historia y las enseñanzas del Jesús histórico porque venían desde esa perspectiva”. La Biblia guarda sus propios misterios sobre la apariencia de Jesús Cleveland descubrió, sin embargo, lo arriesgado que puede ser desafiar la imagen del Jesús Blanco. Cuenta que, después de escribir su columna, recibió tantas amenazas de muerte que tuvo que cambiar la ubicación de las clases que impartía en la universidad por seguridad. Dice que la experiencia le enseñó hasta qué punto el nacionalismo cristiano blanco y el Jesús blanco se han fusionado. “¿Por qué iba a importarte realmente que Jesús no fuera blanco, a menos que necesites que Jesús sea blanco?”, dice. El debate sobre el color de Jesús puede parecer una intrusión en la historia de la Pascua, pero en cierto modo es una extensión de ella. Uno de los elementos curiosos del Nuevo Testamento es que ni siquiera los discípulos de Jesús saben qué aspecto tiene en los relatos de la Pascua. Un discípulo lo confunde con un jardinero, otros dos caminan a su lado por un camino sin reconocerlo y otros no lo reconocen al principio cuando se lo encuentran en una playa. Es difícil imaginar lo que realmente vieron los discípulos de Jesús la mañana de Pascua. El escritor Frederick Buechner lo intentó una vez, describiéndoles de forma memorable como si se encontraran con “una versión nueva y terrible” de Jesús, “desfigurado por las mutilaciones de la Cruz” mientras se levantaba y se dirigía hacia ellos con un “poder indescriptible”. Lo que ellos vieron, y lo que sus seguidores siguen viendo, es, en última instancia, una cuestión de fe. Se crea lo que se crea, Jesús sigue siendo el nombre más conocido y la figura más escurridiza de la historia de la humanidad. Podemos intentar adaptarlo a nuestra imagen y semejanza y a nuestros intereses, pero sigue siendo -como lo fue aquella mañana de Pascua para sus discípulos- resistente a cualquier categoría humana que podamos inventar, siempre fuera de nuestro alcance. John Blake es redactor jefe de CNN y autor de “More Than I Imagined: What a Black Man Discovered About the White Mother He Never Knew”.

Felipe y Letizia se reúnen con sus hijas después de varios meses GENTE Los reyes recogieron a Leonor el martes a la salida de la Academia de Zaragoza y los tres pararon a picar algo en un restaurante de camino a Madrid 28 mar 2024 . Actualizado a las 16:19 h. Seguro que los reyes contaban ya los días para volver a tener en casa a sus dos hijas , separadas de sus padres y separadas entre sí por sus respectivas formaciones académicas. Este jueves, Felipe y Letizia se han reencontrado con la princesa Leonor y la infanta Sofía aprovechando sus vacaciones en la Academia General Militar de Zaragoza y en el internado de Gales (Reino Unido) donde la infanta estudia primero de bachillerato. La última vez que habían estado los cuatro juntos fue en Navidad.  Las vacaciones de Leonor empezaron este pasado martes. Los reyes se encargaron de ir a recogerla a la salida de la academia del Ejército de Tierra . Juntos emprendieron viaje en coche hasta Madrid e hicieron un alto en el camino para una cena improvisada. Los tres aparecieron por sorpresa en un hotel restaurante en la localidad zaragozana de La Almunia de Doña Godina. Esto lo sabemos porque los responsables del local colgaron una foto en las redes sociales con los reyes y la princesa. «Ayer tuvimos una visita muy especial, fue un honor atenderles, gracias por elegirnos», escribieron junto a la foto del equipo que los atendió. Según revela ¡Hola! , « decidieron picar algo, jamón, chipirones y raciones para compartir ». La infanta Sofía regresó de Gales este jueves y retomará sus clases el 8 de abril para continuar en el Reino Unido hasta que acabe el curso el 14 de junio. Esto supone que las dos hermanas pasarán siete días juntas , ya que la princesa de Asturias estará fuera de la academia militar hasta el 4 de abril . Al día siguiente reanudará sus clases como dama cadete de segundo curso. El que ahora empieza será el último trimestre de la heredera al trono en la Academia del Ejército de Tierra, ya que el próximo curso se formará en la de la Armada en Marín (Pontevedra). Entre el 11 y el 24 de mayo, tendrá los exámenes del segundo cuatrimestre y, a renglón seguido, afrontará su último período de instrucción, que se prolongará hasta el 7 de junio, doce días antes del final del curso. Como este parón de Semana Santa es un período familiar y privado, la casa real no ha precisado dónde van a pasar sus vacaciones. Tampoco está previsto que los cuatro protagonicen ningún acto público durante sus días de descanso, al contrario de lo que hicieron por estas fechas en los dos últimos años. En la Semana Santa del años pasado, presenciaron a título particular la pasión viviente de Chinchón y en el 2022, visitaron el centro de refugiados ucranianos en Pozuelo de Alarcón. Lo que no harán será asistir a la misa del Domingo de Resurrección en la catedral de Palma , una tradición instaurada por los reyes Juan Carlos y Sofía y que los reyes actuales han dado por finalizada. No han vuelto a asistir desde antes de la pandemia, en el 2019.

Beyoncé lanza “Cowboy Carter” y agárrense a sus caballos, porque será un buen momento introspectivo y divertido (CNN) — Dicen que se puede sacar a la chica de la música country, pero parece que no se puede sacar a la música country de la chica. Beyoncé, nacida en Houston, presentó el jueves por la noche su esperado álbum “Act II: Cowboy Carter”, que tardará algún tiempo en digerirse. Parte de la expectativa y del juego de adivinanzas en internet ha consistido en descifrar qué estrellas la acompañan en el álbum. Ahora sabemos que entre ellas se encuentran Post Malone, Miley Cyrus, Dolly Parton, Willie Nelson y Rumi Carter, la hija de seis años de la artista. El miércoles publicó la lista de canciones, que incluía 27 temas. Algunos de ellos son interludios y no canciones completas. “Este no es un álbum Country. Este es un álbum de Beyoncé”, había dicho Beyonces con anterioridad. Sin embargo, su nueva música —considerada como country— se espera que aporte nuevos ojos y oídos al género, así como una conversación sobre la diversidad en ese campo. Pero primero está la emoción en torno al proyecto en sí, que sigue al álbum “Renaissance” de 2022 de Beyoncé y que llega casi seis meses después de la conclusión de su exitosa gira del mismo. Al principio de la cuarta pista titulada “Protector” se oye a Rumi pedir lo que parece ser una “nana”, en la que Beyoncé canta: “Aunque sé que algún día brillarás por ti misma/Seré tu protectora”. Beyoncé revela que una experiencia en la que “no se sintió bienvenida” la impulsó a crear su álbum country “Cowboy Carter” Nelson, conocido por su legado en la música country y por su afinidad por la marihuana, aparece en el interludio titulado “Smoke Hour”, en el que actúa como DJ de “KNTRY Radio Texas: Home of the real deal”, que da paso al ya querido single “Texas Hold ‘Em”. Nelson retoma ese papel en “Smoke Hour II” para presentar la pista 15, “Just For Fun”, en la que Beyoncé hace dúo con Willie Jones. Otra colaboración es “II Most Wanted”, en la que Beyoncé se asocia con Miley Cyrus, cuyo legado country incluye no solo su propia afinidad por el género, sino también la de su padre Billy Ray Cyrus, por no mencionar el hecho de que es ahijada de Parton. A ese tema le sigue “Levii’s Jeans”, donde Beyoncé coquetea líricamente con Post Malone mientras hacen dúo con promesas de “amarte hasta los huesos”. Queen Bey también rinde homenaje a algunas de las reinas del country, como Linda Martell y Parton, que también aparecen. Martell es considerada la primera artista negra de música country de éxito comercial, y la primera en tocar en el Grand Ole Opry, aunque a menudo se la ha pasado por alto en la historia del género. “The Linda Martell Show” es un interludio en el que Martell presenta la canción “Ya Ya”, de la que dice que “abarca toda una gama de géneros y eso es lo que la convierte en una experiencia auditiva única. Así es”. “Ya Ya” se acerca más al espíritu lúdico de “Renaissance” de 2022, sampleando varios estándares conocidos, entre los que destaca “These Boots Are Made for Walkin'”, cantada originalmente por Nancy Sinatra en los años sesenta. Martell también se une a Beyoncé y al prometedor músico Shaboozey en la arenosa “Spaghettii”, en la que Martell habla de los géneros musicales como un “pequeño y divertido concepto” que puede hacer que algunos se sientan “confinados”. En la canción, la artista se inclina tanto por el rap como por el canto. En el interludio titulado “Dolly P”, Parton hace referencia a “Becky with the good hair” del sencillo de Beyoncé de 2016 “Sorry”, y lo relaciona con “Jolene” de Parton, que Beyoncé versiona a continuación con su propio estilo distintivo y una letra ardiente. En una entrevista reciente con Knoxville News, se le preguntó a la legendaria cantante de “I Will Always Love You” sobre las especulaciones de que Beyoncé había grabado una versión del querido éxito de Parton. “Creo que lo ha hecho. Creo que ha grabado ‘Jolene’ y creo que probablemente estará en su álbum country, que me hace mucha ilusión”, dijo Parton entonces. En “Cowboy Carter”, Queen B también hace un espacio a los nuevos artistas country de color. Las cantautoras negras Tanner Adell, Reyna Roberts y Tiera Kennedy se unen a ella y a otra cantautora, Brittney Spencer, en una preciosa versión de “Blackbird” de The Beatles.

Muere a los 87 años Louis Gossett Jr., estrella ganadora del Oscar por “An Officer and a Gentleman” (CNN) —  Louis Gossett Jr., estrella de cine y televisión que ganó un Oscar por su actuación en “An Officer and a Gentleman”, falleció a los 87 años, según un comunicado de su familia. “Lamentamos de todo corazón confirmar que nuestro amado padre falleció esta mañana. Nos gustaría agradecer a todos por sus condolencias en este momento. Por favor respeten la privacidad de la familia durante este momento difícil”, decía la declaración de la familia, compartida por el publicista de Gossett. Gosset debutó siendo un adolescente luego de que una lesión de baloncesto lo sacara de las canchas y se apuntara a unas clases de actuación, donde acabó encontrando su vocación. Su primer papel en Broadway fue a los 15 años, cuando protagonizó la producción “Take A Giant Step”. Gossett continuó perfeccionando su oficio con los ojos puestos en Hollywood, tomando clases de actuación junto a personajes como Marilyn Monroe y Martin Landau. Pero ser un actor negro no fue fácil. “Tuve que aprender la importancia de lo que se necesita para sobrevivir en esta ciudad y tuve que actuar como si fuera de segunda clase”, dijo. “Tuve que asumir la responsabilidad de ser una persona afroamericana en Estados Unidos”. En 1961, Gossett hizo su debut cinematográfico en “A Raisin in the Sun”. Más tarde apareció en varias películas de ‘Blaxploitation’, pero tuvo dificultades para conseguir los papeles más importantes a los que se sentía llamado hasta 1977, cuando interpretó a Fidler en la innovadora miniserie de televisión “Roots”. Su actuación le valió un Emmy. Le siguió su innovadora interpretación en 1982 de un instructor de marina en “An Office and a Gentleman”. Gosset pasó a desempeñar papeles militares más duros en las películas “Iron Eagle” y en la miniserie “Sadat”, donde interpretó al difunto líder egipcio. En 1992, ganó un Globo de Oro por interpretar al activista de derechos civiles Sidney Williams en “The Josephine Baker Story” de HBO. Al actor le diagnosticaron cáncer de próstata en 2010 y decidió hacer pública la noticia “para dar ejemplo al gran número de hombres afroamericanos que son víctimas de esta enfermedad debido al énfasis comparativamente bajo que se hace en nuestra comunidad sobre los exámenes preventivos y el tratamiento temprano”. “Quiero influir en ellos para que busquen, como lo he hecho yo, la excelente atención médica y la detección temprana que hay disponibles ahora”, dijo en ese momento. Sin embargo, eso no le impidió hacer el trabajo que amaba. Tuvo una década destacada, principalmente en programas de televisión como “Madame Secretary”, “Hap and Leonard” y “Watchmen” de HBO. Recientemente emocionó a sus fans con su interpretación del inquebrantable Ol’ Mister en la adaptación cinematográfica del musical de Broadway “The Color Purple”.

Este texto es un adelanto de nuestra trimestral  Jot Down nº 45 «Irlanda» Sean Thornton se acerca a los cuarenta años; es un hombre corpulento con paso rápido, sonrisa afable y el don de saber callar. Nacido en Innisfree, tenía cuatro años cuando perdió a su padre. Un tío de América envió a buscar a su madre y a él. Ella murió después de que él cumpliera doce años. Desde este momento en adelante tuvo que ganarse la vida: como vendedor de periódicos, barrendero, peón, fogonero, pudelador de acero, boxeador, pretendiente al título, aspirante a campeón y entonces… matador de un hombre en el cuadrilátero. Un modo de matar distinto al de la guerra en la que Sean había servido a su país. Así que Trooper Thorn colgó sus guantes, contó sus ganancias en el boxeo y reflexionó con tristeza sobre los recuerdos de su madre, un tanto idealizados, acerca de su Innisfree natal. A Irlanda regresa ahora, como un hombre pacífico ( quiet man ) que va en busca del olvido de todas las guerras del alma humana. 1 Con estas palabras se nos presenta al inicio del guion cinematográfico de El hombre tranquilo (The Quiet Man ) a Sean Thornton, el protagonista de la que sería una de las más importantes, y sin duda la más querida, de todas las películas de la amplia filmografía de John Ford . Nacido en Cape Elizabeth, Maine, en 1895 (1894, según otras fuentes) en el seno de una familia de inmigrantes irlandeses y bautizado como John Martin Feeney , optó por cambiarse el apellido por el de Ford poco tiempo después de iniciar su carrera cinematográfica en la Universal Pictures. Sin embargo, siempre hizo gala de sus orígenes irlandeses, de los que estaba profundamente orgulloso, y solía afirmar que su verdadero nombre era Sean Aloysius O’Feeney . Fue sin duda la pasión por Irlanda, la patria de sus ancestros, la que le hizo enamorarse, a primera lectura, del relato «The Quiet Man» («El hombre tranquilo»), del escritor irlandés Maurice Walsh , publicado originalmente en las páginas de la revista norteamericana Saturday Evening Post en el mes de febrero de 1933. El texto, que sería publicado a los pocos meses en la irlandesa Chamber’s Magazine y recogido en 1935 por el autor como parte de su colección de cuentos The Quiet Man and other stories (Green Rushes) , contaba la historia de Shawn Kelvin —que pasaría a llamarse Paddy Bawn Enright en el relato—, un muchacho que había partido a Estados Unidos con apenas diecisiete años «en busca de fortuna, como tantos otros de los suyos» y regresaba a su condado natal de Kerry quince años después. Un «hombre tranquilo» al que «no le gustaba hablar de sí mismo y de las cosas que había hecho», que buscaba la paz y el sosiego de su tierra natal tras una dura experiencia vital en América. Tras adquirir en 1936 los derechos de Walsh por apenas diez dólares, junto con el compromiso personal al autor de que se aumentaría la cifra si finalmente se rodaba la película, adaptar «The Quiet Man» al cine se convirtió en casi en una obsesión personal de John Ford. A pesar de que, cuando la filmó, era ya un director consagrado que había rodado algunas obras maestras indiscutibles ( El delator en 1935; La diligencia en 1939; Las uvas de la ira en 1940; ¡Qué verde era mi valle! en 1941; Pasión de los fuertes en 1946; Fort Apache en 1948, o La legión invencible en 1949, entre otras), no le resultó fácil acometer el proyecto. Fue una empresa a la que dedicaría cerca de veinte años de su vida. Ford había fundado en torno a 1939 con Merian C. Cooper la Argosy Pictures Corporation, una productora con la que buscaba libertad e independencia creativa y económica para desarrollar proyectos personales, entre los que se encontraba, desde el primer momento, El hombre tranquilo . Con la Argosy realizaron varias películas para la RKO y la MGM, pero no consiguieron que el rodaje de El hombre tranquilo saliera adelante en ninguna de ellas. Ford lo intentó también con la Fox y con la Warner, pero los productores no acababan de ver el atractivo que podía tener para el gran público una pequeña historia ambientada en un escondido pueblo en Irlanda. Tal era la incertidumbre sobre si la película vería alguna vez la luz que John Wayne y Maureen O’Hara , a quienes Ford había comprometido para sus papeles unos cuantos años antes del rodaje, solían bromear con el director diciéndole que, si se retrasaba más, tendrían que acabar representando a Will Danaher y la viuda Atillan por no tener ya edad para encarnar a los dos protagonistas. Finalmente, y tras haber fracasado un serio intento de filmarla con la London Films de Alexander Korda , las puertas del proyecto se abrieron definitivamente con la Republic Pictures Corporation, un pequeño estudio especializado en películas de serie B con presupuestos ajustados, bien lejos del que se estimaba que haría falta para emprender el rodaje de El hombre tranquilo . Se dieron varias circunstancias que coadyuvaron al éxito. Por un lado, el jefe de la Republic, Herbert J. Yates , buscaba mejorar la calidad de las películas del estudio y quería a Ford para rodar algún wéstern. Por otro, los buenos oficios de John Wayne, gran amigo de Ford, que tenía un contrato con el estudio y medió para que llegar a un acuerdo. En virtud del pacto alcanzado, John Ford realizaría entre una y tres películas con presupuestos que no superaran el millón y medio de dólares. Ahora bien, ante la desconfianza de Yates en el éxito que pudiera obtener El hombre tranquilo exigió que antes se rodara una cinta que reportara importantes beneficios.  Ford dirigió entonces Río Grande , con la que completaría su famosa Trilogía de la Caballería . John Wayne estaría acompañado por Victor McLaglen y Maureen O’Hara. Era la primera vez que Wayne y O’Hara coincidían en un reparto y la química entre ambos fue impresionante. Río Grande contó con un presupuesto escaso, pero, a pesar de ello, Ford rubricó una obra maestra que tuvo una magnífica acogida de público, cumpliendo las expectativas de Yates, y esto permitió que El hombre tranquilo se hiciera realidad. Una vez que Ford contó con el visto bueno para la producción, se dedicó en cuerpo y alma a preparar el rodaje y, entre 1950 y 1951, organizó varios viajes para buscar localizaciones. Para preparar algunas de estas expediciones contó con la ayuda de la familia de Maureen O’Hara, en cuya casa se alojó en varias ocasiones, y con la de su pariente lejano Michael Morris , tercer barón de Killanin, miembro de la Cámara de los Lores, un personaje casi literario que llegaría a presidir el Comité Olímpico Internacional y con quien Ford en el pasado había emprendido, con escaso éxito, la aventura de fundar una pequeña productora que facturara películas de temática irlandesa. Superadas no pocas dificultades, derivadas muchas ellas del control férreo que Herbert Yates pretendía ejercer sobre la producción para evitar que el presupuesto se disparara, el equipo partió hacia Irlanda en el verano de 1951. La idea inicial del director era rodar en An Spidéal (el pueblo natal de su padre, Sean Feeney ), un enclave costero del condado de Galway que Ford había visitado en numerosas ocasiones, pero que carecía en aquella época de las condiciones adecuadas para acoger un rodaje como aquel. Las encontraron no muy lejos, en Cong, un pequeño pueblo del interior, en el condado de Mayo, en el que abundaban los elementos paisajísticos que Ford buscaba para su idealizado hogar irlandés: ríos de aguas cristalinas donde pescar la trucha y el salmón, viejas abadías y cementerios con cruces gaélicas cubiertas de musgo, antiguos puentes de piedra que cruzan arroyuelos de agua fresca, praderas de un verde esmeralda, cabañas de piedra encaladas y coronadas con techumbres vegetales, colinas que huelen a hierba húmeda y turba… Fueron muchos los amigos y familiares que acompañaron a Ford hasta Cong para participar en el rodaje. Concibió la filmación casi como unas vacaciones para disfrutar con los suyos. Era un sueño hecho realidad y puso mucho de él en la película, comenzando por el propio guion. El texto final del libreto, que firmarían conjuntamente Frank Nugent y el propio Ford, conoció varias versiones y, si bien es cierto que tomaba parte de la columna vertebral del relato de Maurice Walsh, fue enriquecido con nuevas tramas y caracteres. No pocos de esos ajustes se debieron a la necesidad de recortar el metraje y también de disminuir la carga política que contenía. En cualquier caso, Ford dejó en la película su particular impronta, esa muy reconocible huella fordiana que le caracterizaría y lo convertiría indiscutiblemente en un director-autor. En El hombre tranquilo «está todo Ford», en palabras del escritor y crítico de cine Eduardo Torres-Dulce , gran conocedor y admirador de la obra del maestro de Maine. Quizá el elemento nuclear temático de la película sea el hogar, uno de los temas del cine de Ford por excelencia. El hombre tranquilo es, ante todo, un retorno al hogar de marcados trazos proustianos. Cuando Thornton baja del tren en la estación de Castletown (Ballyglunin, en la vida real), pero, sobre todo, cuando cruza sus puertas y sube al carro de Michaleen Flynn, camino de Innisfree, es transportado a un particular universo fantástico, un lugar mágico del que le hablaba su madre en la niñez. La contemplación de la casa familiar de los Thornton, Blanca Mañana, acompañada del recuerdo de la hermosa y cálida voz de su madre que podemos escuchar en off , se convierte así en la magdalena de Proust que traslada a Sean a aquel idealizado hogar familiar del que se tuvieron que marchar en busca de un futuro mejor. Ford nos presenta Innisfree como un lugar intemporal, como una isla donde se diría que no ha penetrado el mundo exterior moderno. Allí llega Sean Thornton huyendo del hecho terrible de haber matado a un hombre en el ring con sus propias manos. Algo que lo desgarra por dentro y que trata de sanar retornando a la patria de la infancia. El hombre tranquilo es, también, una vuelta a las raíces, al grupo familiar, a la comunidad, la tradición y las costumbres. Hay mucho de ello en la película, como en casi todo el cine de Ford. De él se llegó a decir que era un maestro en el apunte costumbrista tanto en el terreno temático como en el estético. Por otro lado, El hombre tranquilo es una hermosa oda a la verde Irlanda. La isla fue siempre un símbolo para Ford, su particular Arcadia, una Ítaca, como también lo fue, y es, para los millones de irlandeses, y sus descendientes, que se vieron forzados a emigrar al Nuevo Mundo como consecuencia de las grandes hambrunas. El propio Sean Thornton es un trasunto de John Ford. Es él quien, a través del personaje, retorna a una idealizada patria. Ford ya había afrontado el tema de Irlanda en El delator , película con la que obtuvo el Óscar a mejor director y el de mejor actor para Victor McLaglen. Ahora bien, ambas películas no pueden ser más dispares: frente al blanco y negro casi expresionista de El delator , El hombre tranquilo está pintada con un vivo tecnicolor. Frente a la historia sórdida, oscura y cruenta de la primera, con el telón de fondo de una delación por motivos miserables, la epopeya de Sean Thornton es vitalista y entusiasta: un canto a la vida.  Pero El hombre tranquilo es ante todo una historia de amor. De un amor apasionado y carnal entre Sean Thornton y la pelirroja Mary Kate Danaher. Un amor «impetuoso, homérico», en palabras del casamentero Michaleen Flynn. A la historia del cine ha pasado, por inolvidable e icónica, la escena en la que Sean contempla por primera vez a Mary Kate paseando por un hermoso prado verde y, al cruzarse sus miradas, ambos se enamoran al instante. O la del ardiente beso entre los dos protagonistas en el cementerio bajo un arco de piedra rodeados de cruces gaélicas, totalmente empapados tras haber sido sorprendidos por una lluvia torrencial mientras paseaban por los prados. No pocas fuentes apuntan a que el propio John Ford estaba enamorado de Maureen O’Hara y que El hombre tranquilo es también un tributo a ese amor. Algo que no se nos antoja difícil de creer si atendemos a cómo sigue y mima la cámara a Mary Kate en cada escena… Por lo que se refiere al reparto de la película es difícil de superar, comenzando por los tres actores principales (John Wayne, Maureen O’Hara y Victor McLaglen), que están absolutamente soberbios. Se diría que es casi imposible imaginar a otros actores interpretando sus papeles. Actores muy fordianos, representando también caracteres muy propios del cine de Ford. Completa el reparto todo un elenco de magníficos actores que aportan alma y espíritu al conjunto de la película. Muchos son viejos amigos de John Ford, a quien recurrentemente acompañaban en su cine, pertenecientes a la conocida como The John Ford Stock Company. Curiosamente, o quizá no tanto, casi todos los que aparecen en pantalla, e incluso quienes se encuentran tras la cámara, son irlandeses o descendientes de irlandeses. Unos viajaron con Ford, otros se eligieron en la propia Irlanda, en castings celebrados en el mítico Teatro Abbey de Dublín, y los extras eran casi todos de Cong y sus alrededores. De entre todos ellos habría que destacar los personajes del casamentero borrachín Michaleen Oge Flynn (un inconmensurable Barry Fitzgerald ), el padre católico Peter Lonergan ( Ward Bond ), que hace las veces de narrador, el reverendo protestante Cyril Playfair ( Arthur Shields ) o el miserable y mezquino ayudante de Will Danaher, Ignatius Feeney ( Jack MacGowran ), entre otros. Si hay un aspecto que merece ser mencionado tras el reparto es la impresionante fotografía de Winton C. Hoch y Archie Stout —que les reportaría un Óscar—, filmada en un prodigioso tecnicolor con el que consiguen una textura bucólica, por momentos fantástica y onírica. Muchas de las escenas parecen proyectadas desde antiguos grabados de costumbres y paisajes irlandeses y con una omnipresencia del verde en los exteriores, hasta tal punto que cuentan, como anécdota, que Herbert Yates llegó a quejarse a Ford diciendo que todo era verde en la película y que retiraran el filtro que le habían puesto a la cámara. A cada una de las escenas se adapta como un traje a medida la exquisita banda sonora de Victor Young , que combina temas tradicionales irlandeses de marcado carácter evocativo y melancólico con piezas vitalistas y festivas. Sobre todas ellas destaca, sin duda, «The Isle of Innisfree», compuesta años atrás por el poeta y policía dublinés Richard Farrelly . O la popular canción irlandesa «Wild Colonial Boy», omnipresente en las escenas en el interior del bar de Pat Cohan. Cuentan que, en una cena con el equipo en el castillo de Ashford, cuando se acercaba el final del rodaje, Ford les dijo que se sentía muy feliz por estar filmando la película con la que tanto había soñado y por hacerla, además, con todos sus amigos más cercanos del negocio del cine. Y añadió que para él sería la manera perfecta de acabar su carrera, a modo de testamento cinematográfico; algo que no ocurriría, afortunadamente. También cuentan que Ford lloró en el avión de regreso a casa tras finalizar el rodaje en Irlanda. El tráiler que lanzó la Republic para promocionar el film decía: «Es una película maravillosa, la mejor llevada nunca a la pantalla por John Ford. Su dirección la hace inolvidable». Con ella conseguiría el cuarto y último Óscar a mejor director de su carrera, tras los obtenidos por las ya citadas El delator , Las uvas de la ira y ¡Qué verde era mi valle! El hombre tranquilo es un canto de amor alegre y jovial a la vida. Ford concibió esta película como un regalo para sí mismo. Creó un mundo idealizado, mágico, un paraíso y un refugio al que poder regresar cuando lo deseara. Y logró una maravillosa obra de arte, un deleite para los sentidos y también un elixir para el alma. Una película que es «capaz de salvarte la vida», en palabras del cineasta José Luis Garci . Porque, para muchos, el Innisfree de El hombre tranquilo es una isla a la que acudir en busca de paz o de consuelo, como lo son la Tierra Media de Tolkien , el Moulinsart de Hergé , el Baker Street de sir Arthur Conan Doyle o la Vigàta de Andrea Camilleri . I will arise and go now, and go to Innisfree, And a small cabin build there, of clay and wattles made; […] And I shall have some peace there, for peace comes dropping slow. (Fragmento de «The Lake Isle of Innisfree», de William Butler Yeats.) Notas (1) Coma, Javier. Solo ante el peligro/El hombre tranquilo. Editorial Dirigido por…, Colección «Programa Doble». Barcelona, 1997, p. 112.

El histórico Bar Moderno de Barreiros cumple este miércoles 90 años con la «exposición del dragón de Masma» BARREIROS Suso Seivane es la tercera generación al frente del negocio; recuerda cuando dieron un premio gordo de la lotería de Reyes en 1960 y tocaron 400.000 pesetas por décimo a diez familias 27 mar 2024 . Actualizado a las 05:00 h. Uno de los establecimientos más antiguos de Barreiros está de aniversario. El Bar Moderno de San Cosme cumple 90 años desde que Antonio y Elvira, sus fundadores abrieran este negocio. Suso Seivane es la tercera generación que está al frente del veterano Bar Moderno. Este negocio familiar tiene mucha historia. Del nombre Moderno tiene buena culpa la cafetera porque según el dueño era «lo más». De aquella, en 1934 , la pensión completa costaba 7 pesetas. Otro año destacado para ellos fue el 1960 porque con el número 23.497 daban el segundo premio de la lotería de Reyes, resultando diez familias afortunadas, a las que les tocó 400.000 pesetas por décimo. En estos años al mando, Suso destaca por encima de todo la amistad forjada con la clientela , y para este 90 aniversario va a exponer un dragón de Masma , elaborado con trozos de palos que vienen de nuestro mar, el de Barreiros. Este es la mascota de la Ruta Indeterminatum 775 de la localidad mariñana. «Animo a todo el mundo a que se acerque a ver esta verdadera obra de arte realizada por María Magdalena Seixas Díaz», concluyó un Suso Seivane que asegura el futuro del bar con la cuarta generación familiar formada por su hijo Francisco y María; e incluso por la quinta con Antón de 5 años de edad.

El mejor entrenador de España de taekuondo está en Monforte LEMOS La federación española otorga esta distinción a José María Vega 27 mar 2024 . Actualizado a las 16:05 h. No hay ninguna duda. El mejor entrenador de taekuondo de España en la modalidad de técnica está en Monforte. Su nombre es José María Vega. Este apasionado de dicha modalidad deportiva acumula un total de 40 años enseñando taekuondo, de los que 28 los ha dedicado ya a su club: el Gimnasio Neka. Este premio y reconocimiento lo otorga la Federación Española de taekuondo. Vega recibirá la distinción en una gala el próximo día 5 de abril en La Nucía. Será coincidiendo con el Open de España, competición en la que estarán presentes varias jóvenes del Neka. «Estoy muy contento por este premio, porque es el reconocimiento a un trabajo y a toda una trayectoria. Hay que darse cuenta que somos muchos entrenadores en España, y que me hayan elegido a mí es un orgullo», comenta José María Vega. El preparador monfortino cuenta con una trayectoria en cuánto a títulos espectacular. No solo autonómicos, sino europeos e incluso medallas en mundiales. Por eso no es de extrañar que la federación le haga esta distinción. Una larga historia Hace 28 años, un coreano, el maestro Min, puso los cimientos del taekuondo en Monforte. En un local situado en el número 86 de la calle Doctor Casares abrió lo que después fue la primera ubicación del gimnasio Neka. Precisamente fue aquí dónde José María Vega se inició en esta modalidad deportiva, y lo hizo como practicante. Entonces, el actual director deportivo del equipo monfortino compaginaba esta especialidad con el baloncesto, ya que competía con el conjunto juvenil del Feiraco. «La verdad es que compatibilizaba bien los dos deportes», indica Vega. Sus inicios los pasó entrenando y compitiendo en algunas competiciones autonómicas, que poco tenían que ver con lo que son actualmente los torneos autonómicos. Transcurría el año 1996 cuando José María Vega se hizo cargo de la dirección del gimnasio Neka. En ese momento, el técnico contrató a un entrenador para impartir taekuondo. El elegido fue el ya fallecido Antón García, que trabajó ocho temporadas y dio un importante impulso a la modalidad en Monforte. No obstante, diversos problemas personales lo obligaron a abandonar el cargo, una circunstancia que pilló por sorpresa a Vega, que tuvo que dar un paso adelante y asumir la dirección de las clases de taekuondo en el gimnasio. Se formó —actualmente es cinturón negro tercer dan— y trabajó intensamente. Su mentor deportivo fue el actual presidente de la federación gallega, Xoán Carlos Eiriz. «Él me enseñó todo lo que sé y me hizo amar este arte marcial», añade José María Vega. Bajo la dirección técnica del nuevo preparador llegaron los éxitos, y se tradujeron en un importante incremento de licencias. Con su llegada había 28; en el segundo año pasaron a cincuenta, y en el tercero a ochenta. En la actualidad, el gimnasio Neka dispone de unas 140. «Cada vez son más los niños que se inician en este deporte, lo que nos ayuda a seguir creciendo, y nos da opciones que conquistar más medallas y títulos», dice. José María Vega no es un entrenador más. Ejerce de compañero y de tutor de las jóvenes promesas con las que entrena a diario. «Somos una auténtica familia, porque pasamos muchas horas juntos», concluye José María Vega, que inicia su jornada a las diez de la mañana y la culmina a las once de la noche.

Este 23 de marzo abrió la primera tienda Jordan World of Flight (WOF) en China. A través de un comunicado, la marca Nike indicó que WOF es la máxima expresión de la cultura del baloncesto en el comercio minorista. Ante esto, los consumidores quieren tener algunos detalles sobre la nueva tienda Jordan WOF de Nike, la cual se ve espectacular. Pues bien, te daremos algunos puntos esenciales sobre la nueva tienda Jordan WOF en China. Ubicación de la tienda Jordan WOF en China Este sitio se ubica en la localidad de Sanlitun, un popular destino de Chaoyan, Distrito de Beijing. La tienda abarca más de mil metros cuadrados y cubre cuatro pisos, cada nivel presenta lo mejor en ropa urbana y productos de alto rendimiento de Jordan. ¿Qué ofrece Jordan WOF? La tienda ofrece acceso a productos exclusivos, personalizados y eventos únicamente para miembros. Esta exclusividad comienza con la colección Wings, expresión máxima de ropa urbana de lujo ofrecida por la marca Jordan. La colección está disponible en toda China , incluido el WOF Beijing Sanlitun. Si quieres conocer más sobre la tienda Jordan WOF en China, da clic aquí. La marca Nike La marca directa al consumidor de Nike,  NIKE Direct,  generó aproximadamente 18 mil 700 millones de dólares en ingresos durante el 2021. En ese mismo año, la compañía deportiva ganó mil 692 millones de dólares por productos relacionados al básquetbol, de acuerdo a Statista. Nike es una marca reconocida por patrocinar a grandes deportistas como Michael Jordan, uno de los mejores basquetbolistas de la NBA y con quien la marca tiene un acuerdo por las altas ventas de los Air Jordan, de hecho se estima que actualmente recibe entre 60 y 120 millones de dólares. Actualmente esta marca está pagando 125 millones de dólares al año a la NBA por ser su principal patrocinador, de acuerdo con datos de ESPN. Mientras que su contrato de patrocinio con la NFL está firmado hasta el 2028 y hasta 2030 el de la MLB. En total, Nike tiene más de 650 acuerdos de patrocinio en más de 140 ligas deportivas, siendo la ciudad de Nueva York la que concentra la mayor parte con más de 75 patrocinios. Jordan y Nike Michael Jordan, considerado uno de los mejores jugadores de baloncesto de todos los tiempos, tiene una historia profundamente entrelazada con Nike, una de las principales marcas de ropa y calzado deportivo en el mundo. Su asociación comenzó en 1984 y llevó a la creación de la línea Air Jordan, que no solo ha sido un éxito comercial masivo sino que también ha tenido un impacto significativo en la cultura del deporte y la moda. La historia comenzó cuando Michael Jordan ingresó a la NBA en 1984, siendo seleccionado por los Chicago Bulls. En ese momento, Nike era una empresa conocida principalmente por su calzado para correr, buscando expandir su presencia en el mercado del baloncesto. Aunque Jordan inicialmente tenía interés en firmar con Adidas, Nike ofreció un contrato innovador que incluía su propia línea de zapatos, algo sin precedentes en esa época. La primera zapatilla, Air Jordan 1, se lanzó en 1985 y fue un éxito instantáneo, a pesar de que la NBA inicialmente prohibió el zapato por no cumplir con su código de vestimenta debido a sus colores audaces. Nike usó esta prohibición como una oportunidad de marketing, lo que aumentó aún más el perfil y la popularidad de las zapatillas. A lo largo de los años, la línea Air Jordan continuó expandiéndose, lanzando nuevos modelos cada año. Cada lanzamiento de las zapatillas Air Jordan era muy esperado tanto por atletas como por coleccionistas, estableciendo un precedente para el lanzamiento de zapatillas de edición limitada. Las innovaciones en diseño y tecnología, junto con la destacada carrera de Jordan, impulsaron la popularidad de la marca. Más allá del éxito comercial, la línea Air Jordan ha tenido un profundo impacto en la cultura pop, influenciando la moda, la música y más allá del baloncesto. Se convirtieron en un símbolo de estatus y estilo, trascendiendo el mundo del deporte. Incluso después de la retirada de Jordan del baloncesto profesional, su marca ha seguido creciendo. Nike ha colaborado con diseñadores, artistas y otros deportistas para mantener la línea Air Jordan relevante. Hasta la fecha, es una de las marcas de calzado más exitosas y reconocidas en todo el mundo, representando la perseverancia, excelencia y estilo de Michael Jordan.